Preso dalla pigrizia stagionale (il caldo, gli europei di calcio, la stanchezza primaverile) dimenticai, a suo tempo, di  appuntare un paio di idee su “Il Divo”.
La dimenticanza può dipendere anche dal fatto che “Il Divo” mi ha lasciato perplesso, malgrado gli inni che si intonano a sinistra e a destra.

Avere delle perplessità su un film italiano premiato a Cannes è cosa rischiosa, quindi, considerato l’argomento de “Il Divo” eviterò, d’ora in poi, caffè e viaggi a Londra… che a pensar male, come è noto, si fa peccato ma…

Mi lascia perplesso il teorema di Sorrentino, citato dalla stampa, secondo il quale un personaggio “ambiguo” merita un film “ambiguo”. Il problema è che il “Il Divo”, fedele al teorema, oscilla in una ambiguità tra la denuncia e la rappresentazione grottesca e satireggiante della stessa ambiguità con letture e riflessioni suggestive sulla oscura ineludibilità e necessità del cattivo potere che, come sappiamo, logora chi non ce l’ha.

L’ambiguità è pericolosa perché si costruisce un film deliberatamente inconcluso e confuso che cuoce a fuoco vispo un paio di anni affastellati de “L’Espresso” e li condisce con una serie di acute battute del Divo che, da sole, innalzerebbero il livello di qualunque dialogo di qualsiasi film. Tecnica e citazioni, grandi attori e grandi caratteristi a parte, ma il talento fine a se stesso serve a poco. Mi sfugge se, in altri termini, “Il Divo” sia una versione de “Il Bagaglino” con i piani sequenza stilosi o una denuncia documentata e puntale. In entrambi i casi rimane un film che, malgrado il grande talento di Sorrentino e del cast, dopo un po’ annoia. Esattamente nel momento in cui  il gioco, le regole e il suo fine diventano chiare. Molto probabilmente sulle mie perplessità gioca anche la attesa delusa di chi pensava, ad esempio, a qualcosa come ”Todo Modo”. Può avere importanza anche il fatto che, per motivi generazionali, noi con questa forma di potere grottesco e avvolgente ci abbiamo convissuto tollerandolo come un elemento naturale e necessario della scena, al punto che vedere messe su pellicola le sue malefatte non ci indigna più di tanto. Come tutti.

Però, per una crudele ironia del destino, al quale non manca il senso dell’umorismo e della sottilineatura, in questi giorni se ne è andato chi ha fatto tanti film sull’Italietta cinica, mammona e andreottiana, raccontando  un Paese ambiguo e  il suo popolo in modo spesso indelebile senza mai nominare Divi e correnti.

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Preso dalla pigrizia stagionale (il caldo, i pollini e l’aria “frizzante”) ho dimenticato, a suo tempo,  di dedicare un sia pur minimo post ad “Iron Man”, il pilot della nuova serie cinematografica dedicata ad un personaggio Marvel.
Questo cinefilo incolto ritiene, giusto perché si sappia,  Iron Man uno dei migliori film tratti da un fumetto, Marvel si intende, senz’altro preferibile al debutto dell’aracnide diretto da Dante. Raimi.
Sì, addirittura!

Filologia del personaggio rispettata malgrado i ritocchi, con il passare degli anni le guerre si spostano ma rimangono sempre “in partibus orientis”.

Spirito fumettoso trasposto da Favreau, che è quello del terribile “Cose molto cattive”,  con un misurato misto di ironia e glamour che impone a Robert Downey Jr. di mantenere una espressione beffarda, sospesa tra quella di un miliardario supereroe anche senza armatura e quella di un attore che sembra dire “Non so che ci faccio qui, ma mi diverto a sfasciare Ferrari. E voi?”.

Jeff Bridges cattivo da antologia come si addice ai fumetti e cameo per lo SHIELD e Stan Lee che, secondo me,  si diverte più di tutti. Attendo gli altri pilot programmati spezzando una lancia per un film con Dr. Strange.
Se non l’avete visto a cinema recuperatelo in DVD e scusate il ritardo.

A proposito di fumetti, tanti anni fa, all’alba di questo blog scrissi una cosa….

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Come consueto Night Shyamalan riesce a spaccare in due il suo pubblico e la critica.
Lo spettro dei giudizi espressi è, infatti,  talmente vasto da confondere.
Succede così  almeno dai tempi  “Signs” e anche “E venne il giorno” non si sottrae al rito.
Giusto per arricchire il dossier qui antologia di stroncature d’oltre oceano.

L’ opinione di questo cinefilo incolto è  che “E venne il giorno” non è un brutto film. Non è tra i migliori della stagione ma non merita stroncature perchè ha più di un pregio.
Innanzitutto è un film che si alimenta di una tensione costruita con poco, con meccanismi quasi artigianali, oserei dire “bucolici” dato l’argomento.

Tensione che si regge bene durante gli scarsi 90 minuti del film (misura perfetta, un minuto di più ed era un disastro) che raccontano una storia dal sapore, e dalle ascendenze, decisamente Kingiane.
E’ vero che è un film  che insiste un po’ sul tasto didascalico ed è anche vero che creare apologhi ambientalisti moraleggianti è arte facile.

Ma è altrettanto vero che Shyamalan si mantiene sull’essenziale, senza fronzoli, senza sottolineature, senza troppa retorica e senza troppe risposte, misurando il passo più  alla resa della tensione che alla leggibilià  della morale. Personaggi scarni appena abbozzati, puramente atmosferici perchè l’attenzione dello spettatore deve essere volta altrove.

La morale, poi, a voler leggere bene è un po’ più ampia di quella “ambientalista” ed è molto più vicina all’uomo che alla Terra.
Gli si perdona il finale, il primo, anche perché per i primi venti minuti ha meritato più di un applauso (la sequenza della pioggia di operai è scioccante, quei tonfi terribili disturbano senza mostrare nulla).

Sprazzi di Hitchock tra gli stormir di fronde, quasi come se vi si nascondessero frotte di uccelli; nel finale l’uscita nel patio di Wahlberg ricordava quella di Rod Taylor ne “Gli uccelli”. Stessa atmosfera, stessa tensione.

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Circa un anno fa ebbi un rigurgito di intolleranza nei confronti de “L’arte del sogno” che, insieme allo scarso gradimento riscosso da “Se mi lasci ti cancello”, furono sufficienti collocare Gondry tra i registi da evitare per l’eternità.

Sono andato a vedere “Be kind rewind” armato di metaforici forconi solo per “dovere di cinefilia” e, al termine del film, avevo il il sorriso soddisfatto e anche un po’ mortificato, di uno spettatore divertito che, magari, avrebbe ancora indugiato sui titoli di coda.

“Be kind rewind” è, innanzitutto, una commedia divertente che nasconde, nemmeno troppo tra le righe, un proclama eversivo. Una rivendicazione del diritto alla cinefilia, del diritto a scegliere i film che piacciono senza subire mediazioni sul giudizio o sul gusto. Senza subire limiti dei mezzi e della loro disponibilità. Anche a costo di rifarli con mezzi inesistenti perché gli unici ingredienti veramente necessari in un film sono la storia e il pubblico che si lasci affascinare anche senza pagare il biglietto.
Il proclama di Gondry colpisce tutti, le major (impersonate da una odiosa Sigourney Weaver), le catene di noleggio che (hanno mille mila copie dello stesso film) e le guerre dei formati (bellissimo l’accrocchio DVD - VHS). Si guarda con affetto al singolo spettatore squadrandone i tipi: i bambini che si identificano nei gangster, la sognatrice (la rediviva Mia Farrow), l’amante metodico dei generi e così via.
Si riflette sul cinema come momento di aggregazione sociale come lo era sedersi in circolo ed ascoltare qualcuno che raccontava storie. E’ quasi la stessa cosa.
Il finale alla Frank Capra (un vero finale alla Frank Capra, con tanto di pellicola in bianco e nero) è, secondo me, un altro delicato tributo alla potenza del cinema a prescindere dall’epoca e dai mezzi.
Gli amanti delle letture “metafilmiche” troveranno altri elementi su cui riflettere.
Per un sinistro contrappasso questo gioiellino ha una distribuzione minima, sono riuscito a vederlo “a tempo a tempo”.
Recuperatelo in DVD, non “maroccato”.
E’ un ordine.

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Questo post per tranquillizzare tutti quelli che si allarmano affettuosamente quando non scrivo per un paio di settimane. Sto bene, devo solo trovare la voglia di scrivere e il tempo.
Grazie per le mail e i messaggi via Gtalk.

“Prospettive di un delitto” (”Vantage Point”) ha un pregio che è evidente se solo ne avete sentito parlare: l’idea del film a mosaico che si compone tessera dopo tessera, prospettiva dopo prospettiva, in un tempo reale ripetuto in maniera circolare, aggiungendo un pezzo alla verità.
La locandina evoca molto limpidamente questa idea che è perfetta per macinare l’attenzione dello spettatore in modo da creare una specie di hype interno al film.
E’ efficace al punto tale che riesce anche a farti dimenticare, almeno per la prima parte, certe rigidità degli snodi, la improbabilità della storia, le mascelle e le pistole spianate e così via.
L’incastro di visioni differenti è reso fascinoso anche dal “gioco” delle riprese televisive e di quelle con la telecamera di un turista, generando una specie di effetto “telecamera sul cortile”, un gioco meta(tele)visivo che strizza l’occhio ad un paio di film e ad un paio di libri…

Peccato, però, che nel momento della convergenza, nella visione di insieme del mosaico, tutto si riduca all’inseguimento da routine e a rivelazioni senza minima tensione drammatica.
L’impressione è quella di una soluzione sbrigativa al servizio di impianto narrativo che prometteva bene: insomma, di una occasione persa.
Il cast è quasi perfetto anche se ho avuto l’impressione che Matthew Fox si trovi a suo agio solo sulle isole ritenute deserte. Nei contesti urbani è un po’, come dire… lost

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“The host” è stato una sorpresa. Anzi molto di più.
“The host” è un film coreano girato nel 2006 da Joon-ho Bong che per motivi assolutamente misteriosi non è stato distribuito in Italia malgrado il successo pressappoco planetario.
Diversi blogger italiani ne hanno scritto con toni a dir poco enfatici, tanto da indurmi a comprarlo su play.com (edizione doppio disco) e a vederlo in coreano con sottotitoli in inglese.
Malgrado il coreano sottotitolato, “The host” mi “ha preso” e mi ha inchiodato alla poltrona.
E’ un monster movie con una trama ricca, animata da  gran bei personaggi; un monster movie in cui il mostro si vede molto bene e non è solo uno strumento di marketing. E’ un film in cui l’alternarsi di registri e stili è meravigliosamente fluido, senza scatti, senza quella impressione di siparietto automatico che contraddistingue costruzioni del genere.

Molte sequenze sono indimenticabili e sbalorditive: cito solo quella mozzafiato della prima apparizione del mostro.
Insomma, da vedere e poi, magari, si fa il paragone con il gioco di “Cloverfield” e si tracciano le dovute differenze e ci si chiede perché a scriverne sono solo i blogger malgrado non sia uscito nelle sale.
Tra i tanti post che ho letto questo di The critic è molto interessante.

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Il titolo italiano di “Clubland” induce in errore ed è una malandrinata un po’ truffaldina del distributore Italiano che, con la parola “matrimonio” nel titolo, ammicca a quelle commedie divertenti che, appunto, vertono su un matrimonio complicato.
La memoria cinefila di ognuno di voi saprà trovare esempi tanto di pessimi adattamenti dei titoli quanto commedie “matrimoniali” divertenti. Altra trappola “malandrina” è lo strillo ai precedenti film comici interpretati da Brenda Blethyn.

In realtà “Il matrimonio è un affare di famiglia” è una commedia amarognola, con molte ruvidezze, che è ben girata ma che non fa ridere. Questo potrebbe deludere chi ha in animo di vedere un diverso spettacolo.
“Il matrimonio è un affare di famiglia” non è, però, un brutto film, anzi.
La regia, infatti, è perfetta quanto il cast letteralmente dominato dalla attrice inglese lasciata libera di mostrarci quanto sia brava e come il ruolo le si addica anche quando canta e balla.

Un difetto, secondo me c’è ed è nella scrittura.

C’è una storia, da un lato, fatta di personaggi non originalissimi ma densi e molto ben raccontati, dall’altro, costruita in modo un po’ artefatto per preparare un finale  scontato che appare semplificato.
Ed è un peccato perché  nelle pieghe del racconto  e dei  personaggi c’è più di qualche pregio.

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“Non pensarci” è una commedia italiana che ha il sapore un po’ piacione delle cose “underground” e indipendenti. D’altronde il protagonista suona la chitarra in un gruppo rock,e ha i vecchi dischi in vinile degli Stones (quelli li ho anche io, lo stesso del film) e legge “Rockerilla”. Anche io, un tempo.
“Non pensarci” sembra una specie di “The Royal Tenenbaums” di noi altri, con tanto di mosaico di famiglia, di provincia, un po’ disfunzionale, ma senza esagerare perché il pubblico non apprezzerebbe. Ci sono anche i pesci alla Steve Zissou.

Il film di Gianni Zanasi non è male, diverte anche se i dialoghi e la storia non sono di grande “freschezza” e il soggetto non è proprio originale; tutto è giocato sullo straordinario Mastandrea e il perfetto Battiston. Da queste parti si preferisce il secondo, come dire, “di misura”.
“Non pensarci” si merita con onore l’onere, e il limite, dell’aggettivo “carino”, ormai troppo spesso associato a “film italiano”.
Sorrido, almeno al cinema, magari applaudo anche, ma attendo un vero capolavoro.

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“Next” è l’ennesima rimasticazione del favoloso mondo del cinema di un racconto di Philip K. Dick.
Il risultato è una poltiglia buona per quelli che a cinema vanno solo per mangiare pop corn e che non fanno caso ad altre cose tipo, ma è un esempio, una storia avvincente e coerente.
Caso mai questi alzassero lo sguardo avrebbero la possibilità di vedere Nicholas Cage sfoderare la sua collezione (?) di espressioni stranite e occhioni flap flap; le stesse cose che si trascina da quando faceva il giovine innamorato ai tempi di “Stregata dalla luna”, ma allora era meno che trentenne e poteva essere credibile.
Ora sembra una cernia alle prese con una macchina fotografica per foto tessere.
Il resto è una storia su un uomo che vede il futuro due minuti prima che accada e può, di conseguenza, modificarlo…e quindi viene incaricato solo di salvare il mondo, anticipando le mosse di terroristi che parlano francese.
… Anch’io ho scoperto di avere lo stesso potere : ho già visto, con giorni di anticipo, la vostra faccia all’uscita dal cinema!!
Da evitare.

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Un piccolo uomo con la bombetta e il bastone ci insegnò che per sconfiggere, almeno al cinema, una mostruosa enorme follia, il coraggio di rappresentarlo non basta.
Ci vuole una risata per mostrarne la debolezza.
Allora può essere vero che per raccontare al cinema le scelte importanti di vita è necessario un pizzico di ironia e molta leggerezza
Il libero arbitrio è cosa lieve, dopo tutto vive di sola volontà.

“Juno” è un film tanto semplice quanto “maturo” e oggettivo nel mostrare i “valori” in campo e, nello stesso tempo, nel non (in)vestire nessuno di valori assoluti. L’ironia, come si diceva, è un arma formidabile se bene impiegata.
Chi si aspetta un film da bandiere e barricate (generazionali? Ideologiche? Politiche? Sessuali)  rimarrà deluso perché  nella storia di Juno esistono solo valori e idee semplici che danzano su una colonna sonora di arrangiamenti minimali (ancora, “leggerezza”?).
Anche la bandiera antiabortista, anzi il cartello, è preso in giro, giusto per evitare equivoci; perché nessuno si appropri di Juno dandole una bandiera che senz’altro non le appartiene.

Nel film nessuno, a parte, è bene ricordarlo, la protagonista, ha un ruolo di guida.  Nessuno, nemmeno la protagonista, si atteggia a timoniere delle   scelte con il dito puntato su un universo di valori.
Tutti i personaggi si limitano ad accettare e ad assecondare  le volontà della lieve Juno.
Che poi nel ruolo più passivo si ha l’impressione che ci siano per lo più uomini e adulti, è forse l’unico rilievo sul quale innalzare una bandiera.
Comunque, davvero un bel film.
Due opinioni finali: Jennifer Graner è molto più brava di quanto si possa pensare, io adoro qualsiasi film con Buddy Holly nella colonna sonora e quella di “Juno” è carina e ruffiana.

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